Echando la vista atrás, durante el período en el que se enmarcan los 9 primeros títulos que hemos analizado, podemos ver que Final Fantasy no ha sido una serie “cerrada”, sino que ha tenido varios títulos que iban más allá de los juegos “principales” y que empezaron a mostrar las ansias que tenía Squaresoft por exprimir la gallina de los huevos de oro. Algunos podrían guardar ciertas características de la saga original, pero otros muchos se desmarcaron por completo de su semantismo inicial, llegando por ejemplo al género de la velocidad. En ellos nos vamos a centrar hoy.

Chocobo’s dungeon y Chocobo’s Dungeon 2 (PlayStation)

Si a algo (es más, yo diría “alguien”) hay que destacar entre el compendio de títulos que voy a destacar, sin duda alguna es a la figura del chocobo. Tratado como elemento cute en la mayoría de los títulos en los que es protagonista, sin duda ocupa una parcela bastante grande de los spin-offs de Squaresoft. Quizás su mini-saga más importante sea Chocobo’s Dungeon, en la cual manejamos a un chocobo a traves de las mazmorras que se encuentran en un poblacho. Sin llegar a ser un Action-RPG, los enemigos con los que luchamos están visibles desde la pantalla principal, a la  vez que contamos con la presencia del  ATB System. Aparte, podemos ver algunas de las magias e invocaciones típicas de Final Fantasy para ayudarnos.

Chocobo Racing (PlayStation)

Chocobo Racing nació para intentar rellenar el hueco de títulos de temática “Mario Kart” existente en PlayStation, para ello, sobre decir que recurría a personajes sacados de la mitología de Final Fantasy como al susodicho Chocobo y a otros como un mago negro, Cloud o Bahamut. Lo cierto es que el resultado obtenido es bastante chustero, y queda MUY por detrás del “mejor Mario Kart” de todos los tiempos: Crash Team Racing, quien también saldría para la difunta y gloriosa 32-bits de Sony.

Chocobo World (PlayStation/PocketStation)

Chocobo World, más que un título en sí era un mini-juego de la PocketStation, cachivache japonés del estilo de la Visual Memory de Dreamcast. La única manera de poder jugar con él era poseyendo tanto la tarjeta de memoria como Final Fantasy VIII.   Dentro del mismo recorríamos un mundo minimalista a más no poder en el que hasta podíamos luchar con un sistema de combate con influencias del ATB System.

Se especuló con una posible salida en Europa del aparatejo, pero al final nos quedamos con las ganas. Si os pica el gusanillo, hay una versión emulada del juego en Internet.

Chocobo Dice (PlayStation)

Esta obra, al igual que Chocobo Racing, se aleja completamente de los cánones marcados por los Final Fantasy. Al igual que en un Mario Party cualquiera, Chocobo Dice no es más que un juego de tablero llevado a la pantalla. Sobra decir que guarda similitudes e influencias varias de la serie principal, pero no supone gran cosa. Como es normal, este CD no salió de tierras niponas.

Chocobo Stallion (PlayStation)

Este jueguico, nuevo intento de explotar el tirón de los pollos XXL, suponía la evolución del entramado compuesto por  las carreras y la cría de chocobos de Final Fantasy VII. Solo para muy fans.

Final Fantasy Tactics (PlayStation)

Si hay alguna serie que haya destacado sobremanera entre los diferentes sub-productos de Final Fantasy, sin duda alguna ésa es Tactics. En su début como saga independiente se nos propuso formar parte de Ivalice, lugar en guerra en el cual encarnamos el papel de Ramza y donde disfrutaremos de una historia bastante más “adulta” que las de sus supuestos hermanos mayores. Squaresoft nos propuso un tactical RPG profundo, interesante y complicado y que es capaz de plantar cara sin problemas a los mejores títulos de la saga original a la vez que bebe de sus fuentes (por poner un simple ejemplo, cuenta con un sistema de “trabajos” bastante interesante).

Final Fantasy Mystic Quest (Super Nintendo)

Final Fantasy Mystic Quest es la ejemplificación más clara de por qué Square fue cobarde durante años a la hora de proporcionarnos sus JRPGs. Lejos de políticas como la de SEGA (Shining Force, Phantasy Star…), quien brindaba RPGs de calidad a los mercados europeo y norteamericano, Square, aparte de traer sólo algunos de sus títulos (y con ello no me estoy refiriendo solo a Final Fantasy), tuvo el complejo durante años de que el jugador occidental no estaba preparado para los juegos de esta temática. La cagaron con Final Fantasy IV y la cagaron con Mystic Quest. Entendido como spin-off baratuno, este título hacía las veces de inútil caballo de Troya en occidente, ya que sus intenciones no eran otras que las de traer un RPG facilón y que eliminaba muchísimos elementos de la saga madre, dejando su denominación como mero reclamo publicitario. Lo curioso del tema es que posteriormente se lanzó una versión japonesa donde se añadieron elementos y la dificultad subía. ¿Soy el único al que todo esto le resulta demasiado gilipollesco?

Final Fantasy Adventure (Game Boy)

Nombrado en Japón como Seiken Densetsu: Final Fantasy Gaiden, este spin-off de Final Fantasy supuso el primero de los posteriores Seiken Densetsu/Mana, otros de los puntales de Squaresoft. No sirviendo como simple sacacuartos, este cartucho se desmarca de lo que cabría esperar en un Final Fantasy. Si bien podemos encontrar  algunos elementos ya vistos como los moguris, este título se acerca mucho más a la concepción que tenemos de los Action-RPG, alejándose de las batallas por turnos y bebiendo más que descaradamente de los Zelda de Nintendo. Lo cierto es que el conjunto quedó bastante apañado y merece la pena echarse unas partiditas con él.

Ergheiz (PlayStation)

Como juego paquetazo que es, Ergheiz fue un título que pasó con más pena que gloria por el mundillo del beat ‘em up. Muchos años antes de la aparición de Dissidia, Squaresoft creó este juego de lucha, contando entre el plantel de luchadores con bastantes personajes de Final Fantasy VII como principal reclamo. Ergheiz no deja de ser un beat ‘em up del montón que se vio ampliamente sobrepasado por sus coetáneos, o dicho de otro modo: era un jueguecillo al que se podían echar unas partiditas, pero que si no llega a tener a Cloud, Sefirot y las tetas de Tifa, hubiera pasado mucho más desapercibido entre la escena. Como relleno, también poseía una especie de modo “dungeon”, lo cual ya se había visto antes en otro beat ‘em up como es el feote pero pasable Tobal  No.1.

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***Nota: He decido suprimir a los Final Fantasy Legend de Game Boy de esta selección por la sencilla razón de que realmente pertenecen a la  serie SaGa, siendo renombrados para tener más tirón y rascar unas perrillas.

Fuentes: He acabado hasta los cojones de tanto chocobo. Aparte, agradezco enormemente la existencia de esta página de FFmaniacs, que uno con el juego de mesa en japonés no se enteraba de na’ de na’.

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Entrada publicada originalmente el día 19-04-2011 en No Más Hype.

Con esta entrega terminamos el repaso a los 9 primeros Final Fantasy en sus ediciones originales para Famicom, Super Famicom y PlayStation. En esta ocasión le daremos un buen repaso a los títulos aparecidos para la gris de Sony, haciendo hincapié en el boom  que supuso la séptima entrega a nivel mundial, pero sin olvidarnos de Final Fantasy VIII y del injustamente tratado Final fantasy IX.

Final Fantasy VI. The Interactive CG Game

Antes de hablar del éxito que supuso Final Fantasy VII para las arcas de Squaresoft, hay que retroceder unos cuantos años en el tiempo, más concretamente debemos volver a 1995, cuando Square mostró una demo jugable de un JRPG en el que aparecían algunos de los protagonistas de la anterior entrega (Locke, Terra y Shadow) pegándose de hostias con un Gólem. Todo el cotarro estaba realizado íntegramente en 3D y aunque lo cierto es que no explotaba ni de lejos la capacidad de la futura Ultra 64, mostraba maneras sobre el siguiente paso de Final Fantasy en el seno de Nintendo.

Dicha demo se llamaba “Final Fantasy VI. The Interactive CG Game” e hizo correr ríos de tinta con suposiciones y multitud de pajas mentales que al final acabaron en sonoros gatillazos.

La razón de ello la encontramos en que a Squaresoft no le hacía mucha gracia que Ultra 64 fuese a funcionar a base de cartuchos, prefiriendo al CD como soporte, ya que en ellos cabía mucha más información. Nintendo siguió adelante con su proyecto (al que cambió el nombre por el de Nintendo 64) y Squaresoft se decantó finalmente por Sony, dejando tirada a la compañía a la que había sido fiel durante bastantes años.

El resto es historia…

Final Fantasy VII.

Con Squaresoft centrada ya en el que sería el primer gran éxito de Sony en el mercado de los videojuegos, se gestó un proyecto que acabaría siendo ciertamente decisivo en la batalla por la supremacía videojueguil de la época, en la cual se pegaban hostias principalmente Sega, Nintendo y Sony. Bueno, la verdad es que en el fondo y en el exterior, Sony utilizó un consolador de 38 centímetros con el que aporreó la cara de sus competidoras de manera severa, las cuales no pudieron hacer más que encajar los golpes sin rechistar demasiado a pesar de que tenían en sus manos consolas más potentes que PlayStation.

Entrando en materia, Final Fantasy VII nos trajo un juego que no es sino una evolución de todo lo anteriormente visto. Obviamente tuvo sus cosillas que le diferenciaron y dieron personalidad propia, pero a veces, sin darte cuenta empiezas a oler un tufillo a déjà vu bastante curiosote.

En esta ocasión manejamos el destino de Cloud Strife, héroe que usa 17 litros de Giorgi al día para poder mantener su pelo tieso cual actor porno hace con la viagra para poder realizar su trabajo. Este chico, acompañado de un comando de Greenpeace, debe salvar al mundo de su destrucción, primeramente con su objetivo de acabar con la corporación Shin-Ra, la cual está chupándole la vida (literalmente) al planeta con sus reactores Mako, y finalmente contra el que se desvela como verdadero enemigo a batir: Sefirot, personaje fruto de un experimento que se cree con derecho a mandar a tomar por saco al mundo y convertirse en una especie de semi-Dios.

Huelga decir que hay millones de matices más por contar y que no quiero espoilear. Aparte, cuenta con una buena tanda de sidequests centradas en los distintos personajes secundarios, así como minijuegos “a punta pala”, entre los que destaca sin duda alguna la figura del Gold Saucer, un jodido y bien hermoso parque temático en el que incluso podemos desde dejarnos los cuartos en apuestas de carreras de chocobos hasta subir a una montaña rusa que hace las veces de mini-shooter sobre raíles (nunca mejor y peor dicho).

Tanto Cloud como sus compañeros fueron concebidos conceptualmente por Yoshitaka Amano, genio entre genios… Pero el diseño final de los personajes fue encargado a Tetsuya Nomura, quien anteriormente ya había participado en otros Final Fantasy, pero nunca con un peso como el que gozó en esta entrega. El caso es que Nomura creó como personaje principal a un emo taciturno y con una estética que bebía directamente del manga en el que tenían cabida dudas existenciales del tipo “¿Quién soy? ¿De dónde vengo?”, amorosas (ya saben, la eterna lucha entre las tetas de Tifa y la belleza interior de Aeris) e incluso sexuales (vale, esto es una coña, pero todos disfrutamos travistiendo y “makeando” a nuestro duro punkarra de pega para que pudiese tener sexo con Don, el dueño de un puticlub). Quizás Cloud se salve por ser una de las primeras creaciones con peso de Nomura, pero lo cierto es que no me gusta nada el trabajo de este hombre como diseñador de personajes, ya que no hace más que crear clones de personajes amargados, algo que se extiende a otros títulos como The World Ends With You.

Si miramos el cómputo global, la verdad es que viendo el plantel de su más inmediato predecesor, en el que prácticamente todos los personajes estaban extremadamente bien desarrollados, se echa en falta un poquito de profundidad en los Tifa, Red XIII y compañía. Cada uno tiene su historia de fondo, pero lo cierto es que para mi gusto, Final Fantasy VII, sin llegar a decepcionar pudo haber dado algo más de si.

En cuanto a su estructura, se nos propuso un método por el cual las armas y las magias estaban íntimamente relacionadas. Cada personaje podía equipar un número limitado de conjuros (que recibieron el sobrenombre de “materias”) dependiendo del espacio que tuviesen dedicado a ello cada una de las armas del juego. Esto nos hacía pensar a veces la composición de las materias que debíamos elegir para poder avanzar en ciertos combates. Todas las magias eran intercambiables entre los miembros del grupo, pudiendo así mejorarlas con los distintos integrantes, quienes, por ende, también se veían beneficiados por el “entrenamiento previo” del que había gozado la materia de turno.

En las confrontaciones contra enemigos disponíamos por primera vez en la saga de un grupo compuesto por sólo tres individuos. Siguiendo de nuevo las pautas del ATB system, podíamos encontrar unos combates entretenidos en los que se ganó enormemente en espectacularidad. Tanto las magias, como las invocaciones y los límites (los golpes críticos que se cargaban cada vez que recibíamos estopa) se sirvieron de la mayor potencia de PlayStation, ofrenciendo un espectáculo genial que pisaba por primera vez el terreno poligonal, lo cual supuso una revolución en la época. Sin embargo, no todo podía ser bonito. Si bien los efectos gráficos eran la rehostia y tal, hay un punto que me jode muchísimo: Las películas-invocaciones. Cuando quiero invocar a un bichaco, quiero que ataque al enemigo y le quite sus X puntos de vida, no que se lleve 3 minutos preparando su ataque, volando hasta el quinto carajo para después lanzar una onda vital, o (en el peor de los casos) tener que sufrir a todos los caballeros de la Mesa Redonda atacando uno por uno al objetivo. En serio: ¿Pero qué coño? Al fin y al cabo no es más que un pequeño borrón, pero molesta muchísimo una vez ya has visto las animaciones dos veces.

En lo que respecta al mundo, éste también sufrió importantes cambios, pasando de los geniales sprites y el Modo 7 de Super Nintendo a ciudades pre-renderizadas que estaban rodeadas por un vasto mapa realizado en tres dimensiones.

Con respecto a su difusión, Final Fantasy VII apareció primero en una versión original japonesa, la cual fue revisada bajo el título de Final Fantasy VII International (que fue la que nos llegó a nosotros). En dicha revisión se incluyeron nuevas materias, enemigos y secuencias de vídeo que no aparecían en la primera edición, aparte de que se corrigieron algunos glitches… Pero como todo no podía ser TAN bonito, a pesar de que Squaresoft hizo el esfuerzo de traducir su obra al español, parece ser que contrataron al primero que pillaba por la calle, lo cual trajo consigo lindezas como el grandioso “allé voy” pronunciado por Cloud o el típico fallo de traducir “party” por “fiessshhhhhta”, cuando en realidad significa “grupo”. Al fin y al cabo son tonterías sin importancia, pero no hubiera costado nada pulirlos.

Con todo ello, Final Fantasy VII se convirtió en uno de los JRPGs con más éxito de la puñetera historia, vendiendo una millonada de copias en todos los continentes y gozando no sólo de una versión en PlayStation, sino también otra de PC. Como resultado, Squaresoft/Square-Enix se ha dedicado a exprimir la gallina de los huevos de oro de manera exagerada: desde películas hasta spin-offs pasando por el terreno del merchandising que dan pasta gansa año sí y año también. Y eso que todavía no se ha lanzado el remake. Todavía.

Final Fantasy VIII

Llegamos al último tercio de 1999 y los europeos, ya sin sorprendernos por ello, recibimos la octava entrega de la saga. Las revistas de la época nos vendieron a Final Fantasy VIII como si fuese más alto, más grande y tuviese un falo descomunal. Es un juego con muy buenas intenciones, pero creo que tiene puntos muy discutibles.

Este Final Fantasy nos pone en la piel de Squall, otro personajillo de la factoría de Nomura. El chico, un becario-SeeD del Jardín de Balamb (una academia de formación de soldados en la que incluso se cobra como en la vida real) es el prota principal de una aventura en la que junto a sus compinches Rinoa, Zell y demás lucharán contra el Presidente de Galbadia; no perdón, contra Edea, la cual en realidad resulta que controlaba al citado presi… Hmmm, tampoco, tampoco, joder, resulta que al final Edea también era controlada por una bruja llamada Artemisa. Sí contra Artemisa, el enemigo a batir se llama Artemisa. ESO, COÑO. Si ya de por sí los Squall y compañía son más planos (o payasos-planos-canis en el caso de Zell) que la hostia, el argumento no mejora las cosas. No hace más que dar tumbos de un lado a otro, redirigiendo su objetivo continuamente y jodiendo al jugador… Es aquí donde falla Final Fantasy VIII, al cual se intentó aderezar con una bonita historia de hamor berdadero entre Squall y Rinoa, pero sin llegar a conseguir mucho con ello.

Entrando en dominios jugables, Final Fantasy VIII se vanagloria de tener un sistema bastante agradable e innovador en muchos puntos. De entrada, se rompía con la tradicional manera de obtener magias, teniendo esta vez que buscarlas por el mapeado o robarlas a otros enemigos para poder usarlas posteriormente. A su vez, éstas podían enlazarse a los atributos de cada personaje con tal de obtener mejoras en los mismos. Por su parte, las invocaciones, denominadas para la ocasión como Guardian Forces, debían ser o bien derrotadas o bien encontradas fuera de las batallas. Al igual que las magias, los Guardian Forces podían ser adjudicados a cada sujeto, pudiendo obtener también beneficios con ello para nuestros status.

Dentro de las luchas los Guardian Force pueden ser invocados, pero no a la antigua usanza. Una vez elegidos, tardarán un tiempo X en aparecer y mientras tanto, todo daño que sufra su invocador lo transladará a la nueva barra de vida de la invocación, lo cual puede servir para plantear distintas estrategias o proteger a nuestros personajes ante una muerte cercana. El tiempo que tarden en aparecer está determinado por el grado de afinidad que el Guardian Force tenga con el luchador en cuestión, y dicha afinidad puede ser mejorada conforme más tiempo estén enlazados el invocador de turno y el monstruo elegido.

Pasando de página hacia lo que es el “relleno-opcional” del juego, Final Fantasy VIII no poseía tantos extras como su antecesor, pero hay que reconocerle la introducción (entre otras cosas) del Triple Triad. Triple Triad es un juego de cartas simple pero adictivo, y si bien no podía ni por asomo cubrir el espacio dejado por un mastodonte como el Gold Saucer, lo cierto es que tenía su chicha. Aparte, las cartas ganadas podían ser transformadas en objetos, los cuales eran imprescindibles de cara a acabar con los Entes, quienes venían a ocupar el lugar dejado por las Armas de los títulos anteriores y que suponían un reto para aquellos que querían ir un poco más allá de lo que la historia principal proponía.

El caso es que, cerrando ya el chiringo, Final Fantasy VIII tiene sus pros y sus contras, y normalmente no le doy mucha importancia al argumento en la mayoría de los juegos, pero que un RPG tenga una mala historia me repatea el culo de sobremanera. Final Fantasy VIII es un juego completo y con muy buenas ideas, pero naufraga cual Di Caprio donde más duele. Donde más me duele.

Final Fantasy IX

Hamijos, con esta novena entrega llegamos al final de la trilogía aparecida en PlayStation. Nos situamos en el año 2000 y en esta ocasión, Squaresoft decidió volver por completo a los orígenes de la saga en todos los sentidos, tanto en su estética como en su estructura jugable, llevando al límite un poquito más si cabe a las posibilidades de la gris de Sony.

Este Final Fantasy no es más que la evolución indirecta de los cinco primeros títulos que nacieron en el seno de Nintendo. Ya desde la base se decidió volver a los orígenes, teniendo mayor protagonismo el trío formado por Sakaguchi, Amano y Uematsu, los creadores de la serie trece años antes.

La verdad es que critiqué bastante a los argumentos típicos y repetitivos de los primeros juegos, y en cierto modo, Final Fantasy IX decide retomarlos a su manera, quedando su conjunto como una especie de homenaje a casi todo lo visto y jugado, englobando múltiples elementos ya vistos anteriormente. Sin ir más lejos, solo hay que ver el diseño de los personajes, los cuales mostraban un estilo super-deformed (lo que nos recuerda a los tiempos de Super Nintendo) dentro de un mundo en el que no tienen tanta cabida los parajes de carácter industrial / steampunk que venían apareciendo desde Final Fantasy VI. A su vez, su argumento nos sitúa en un mundo de princesas y reinos donde la magia y la fantasía vuelven a recuperar su protagonismo inicial. A su vez, los personajes principales no son copias poco originales y con tendencias antisociales. Sólo hay que fijarse en Yitán (Zidane en la versión japo ), un prototipo de Casanova de bajo nivel que agrada con su sola presencia. El chaval estará acompañado de otros que, en cierto modo, están marcados por “los tipos” de luchadores que tan característicos eran en los títulos previos: Ahí están, entre otros, el mago negro Vivi o la maga blanca Garnet.

Para hacer aún más claro su parecido con los primeros Final Fantasy, también se incluyen un sistema de jobs (originario de Final Fantasy V), aunque en este caso las profesiones son fijas y no se pueden cambiar en cualquier momento. Así mismo, las batallas vuelven a estar protagonizadas por cuatro personajes y se desarrollan “a la antigua”, pero sin resultar tediosas. Aparte, a lo largo del juego hay un montón de guiños hacia los demás títulos, desde pequeñas melodías hasta giros argumentales que recuerdan a otros ya visitados. También me gustaría hacerle un huequecillo a Tetra Master, otro juego de cartas que vino a sustituir a Triple Triad y en el que tenían cabida tanto ataques físicos como mágicos.

Final Fantasy IX me gusta por una sencilla razón: supone el perfeccionamiento de los cinco primeros títulos. Aun bebiendo mucho de todo lo anteriormente visto, tiene un argumento y una trama más profunda de lo que aparenta y que se aleja del engañoso aspecto infantil con el que fueron diseñados Yitán y sus camaradas. Si bien considero que no llega al nivel de Final Fantasy VI (toda una jodida obra maestra), se queda muy cerquita del mismo a la vez que supera a sus dos “hermanos de consola”. Es una lástima que quizás haya sido el que menos ruído haya hecho de los tres aparecidos en la generación de los 32-64 bits, ya que por entonces empezaban a escucharse los primeros ecos de un monstrenco llamado PlayStation 2, los cuales ensombrecieron su salida. Ello no quita que merezca su sitio entre los mejores. He dicho.

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Nota: Debido a que la tarjeta gráfica de mi portátil no es capaz de mover ni un emu de PSX en condiciones, he tenido que tangar las imágenes de Game Trailers, disculpen las molestias.

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Entrada publicada originalmente en No Más Hype el día 12-04-2011.

Seguimos con la segunda entrega de la que quizás sea la saga de JRPGs más conocida de todas (al menos en occidente, ejem). En esta ocasión abordaremos el  primer gran salto de Squaresoft, el que dio al pasar de la ya por entonces decadente Famicom hasta la Super Famicom, el cerebro de la bestia, la prostituta con mejor calidad-precio de la época, la mejor consola de Nintendo hasta la fecha.

Tal salto se dio en todos los sentidos: la mayor potencia de la nueva máquina de la compañía nipona permitía condensar unos juegos que dejaban en bragas a casi todo lo anteriormente visto (ejem, Neo Geo era mundo aparte, tanto como por potencial como por su elevadísimo precio). De ello se aprovecharon los  tres títulos correspondientes a Final Fantasy que en ella tuvieron cabida…

Final Fantasy IV

Nos situamos en el año 1991, momento en el que este título ve la luz en tierras niponas. Por entonces, Squaresoft ya se había labrado un nombre dentro del mercado japonés, por lo que una avalancha de tipos con los ojos rasgados se lanza a las tiendas para devorar a la cuarta entrega de esta emblemática saga. El caso es que, con este Final  Fantasy IV, jugar a esta serie empieza a tener sentido, al ser los combates mucho menos tediosos y puñeteros, contar con una historia que ya empieza a ser decente (no olvidemos los ¿argumentos? que gozaron los tres títulos anteriores) e introducir sub-tramas de bajo calibre que se agradecían de sobremanera.

Final Fantasy IV nos pone en la piel de Cecil, caballero oscuro y capitán de las Red Wings del reino de Baronia, quien, acompañado de una serie de compañeros “intercambiables” en lo que respecta a las batallas, debe liderar una nueva epopeya centrada en los cristales elementales (sí, en el fondo Square siguió imprimiendo originalidad al asunto, bof). A pesar de ello, hay que reconocer que en este envite todos los personajes están mucho más desarrollados, diferenciando mucho más tanto física como psicológicamente a los protagonistas y trayendo a su vez cada uno de ellos su propia historia. Ahí quedan, por ejemplo, la pena que sufre el paquetilla de Edward por la pérdida de su Hamada, la “transformación” de niñata imberbe a jovencita potente de Rydia, o (sobre todo) la búsqueda del alter-ego benigno de Cecil.

El sistema de batallas evoluciona para bien con la introducción del Active Time Battle system, que no es otra cosa que el sustituir los anteriores y rígidos turnos por una barra unipersonal por la cual cada uno de los cinco personajes de los que disponemos puede atacar una vez esté llena. A su vez, el juego está mucho más equilibrado a la hora de tener que subir niveles. Dicho de otro modo, sin ser un título fácil, ya no hace falta pegarse un buen rato leveleando estúpidamente a todo el grupo para poder avanzar. Cabe reseñar también que el salto tecnológico se notó enormemente en la representación del mundo y sus pueblos, pero sobre todo a la hora de mostrar los hechizos, invocaciones y objetos durante el transcurso de los combates, hecho que hacía mucho más vistoso al conjunto. Hay que mencionar también la aparición de varios mapeados por recorrer, no limitándonos únicamente a pasear “por la tierra”…  Y hasta aquí puedo contar .

Puedo decir en voz alta que este fue, probablemente, el primer Final Fantasy decente. Sus múltiples sub-tramas (a pesar de poseer un argumento que ya empezaba a tocar las pelotas por utilizar nuevamente el mismo tema), su mayor agilidad en las luchas, su evolución gráfica y su magnitud hacían que mereciese la pena echarse unas partiditas con él… PEEERO… Squaresoft siguió con su política de no traer sus títulos a Europa. En Norteamérica, sin embargo se dio un caso bastante curioso a la par que gilipollesco.

Dentro del país nipón aparecieron dos versiones distintas de Final Fantasy IV, una normal y corriente y otra denominada como Final Fantasy IV: Easytype, la cual estaba dirigida a gente paquetaza, ya que en ella se bajaba la dificultad del conjunto modificando parámetros, conjuros y enemigos.

Si ya de por sí esta edición estaba algo capada, a Norteamérica llegó una versión de “Easytype” incluso más retocada si cabe, ya que se eliminaron o modificaron partes que tocaban temas aparentemente sensibles de cara al jugador occidental (ya saben, la fibra sensible de muchos retrógrados podría haber sido afectada de haber llegado la versión completa, cofcofcof). Hay que hablar también de la traducción,  la cual era bastante mierder, por lo que se jodía aun más la experiencia… Y por si todavía no habías tenido suficiente, aunque sea un detalle menor, se tuvo la genial idea de renombrar el juego como “Final Fantasy II”, ya que el único título que había salido de Japón anteriormente había sido el primero de todos.

Resumiendo, querido lector,  si alguna vez (por tu incapacidad de leer la lengua de Kitano) te ha picado el gusanillo de jugar a cierta rom denominada como “Final Fantasy II [U]” en tu emulador de Super Nintendo, no habrás probado el juego original, sino una versión capada estúpidamente, más fácil y con una traducción mala de cojones. Un truñaco, vamos… Un truñaco  que tuvo una buena acogida en territorio yankee. Faltaría más, juas.

Final Fantasy V

Apenas un año después de la aparición de Final Fantasy IV nacería su sucesor, nuevamente para la 16-bits nintendera. Lejos de querer innovar, Sakaguchi decidió seguir apostando por la ya cansina historia en torno a los cristales. En esta ocasión, los susodichos se estaban debilitando y empezando a estallar en mil pedazos, lo cual iba a ser aprovechado por El Mal blablablablá; JODER, “menos mal” que Sakaguchi quería “contar historias” antes de crear aquel primer Final Fantasy, lo que no advirtió es que siempre iban a partir de la misma y puñetera base. Ante esta tesitura, una serie de personajes lucharía para salvar el mundo, estando el grupo encabezado por Bartz (un hippie con chocobo), Lenna (la princesita pija) y Faris (un “pirata” que resultó ser prima de Roxy y Poison de Final Fight, a la vez que hermana desaparecida de Lenna) junto a otros personajes como Galuf o Krile.

El caso es que Final Fantasy V no innovó en demasiados aspectos, así que vamos a centrarnos principalmente en lo que de verdad es remarcable en él: su sistema de “jobs”.

Este juego se caracteriza (para bien) por su sistema de mejora de personajes. Conforme íbamos avanzando en nuestro periplo, podíamos adquirir diferentes “jobs” para nuestros protagonistas. Este método se basaba en los antiguos tipos de personajes de anteriores Final Fantasy (por ejemplo: los típicos magos blanco o negro), pero añadiendo otros nuevos hasta llegar a la cifra de 22 clases distintas. Tal variedad de tipos, una vez entrenados, nos permitía crear una burrada de combinaciones a la hora de formar un grupo con el que luchar en condiciones (hecho para nada trivial, ya que Final Fantasy V es difícil de cojones en algunos puntos) y poder terminar el juego.

Como casi siempre, Squaresoft no publicó la versión original fuera de sus fronteras, por lo que los europeos tuvimos que esperar hasta la distribución de las 18.000 reediciones que han ido apareciendo en los últimos años (entre las cuales destacan las de PlayStation y Game Boy Advance por su fidelidad al original). Si bien es cierto que este Final Fantasy peca de continuista en cuanto a argumento, al menos hay que otorgarle el mérito de querer buscar en el jugador un poco de creatividad a la hora de componer un equipo equilibrado y efectivo, lo cual supuso una ruptura con sus predecesores, no limitándose sólo a “luchar por luchar”, así que no duden en darle una oportunidad.

Final Fantasy VI

Llegados a este punto, nos adentramos en el mejor título de la saga (¡Oh no, una banda de fanboys pelopinchos apareció! “Gamboi > Espers > Cuchilla de afeitar anti-emos de Nomura viviente > 9999 HP > Victoria > 3 puntos de experiencia ganados / Encontrado “Hiper-gomina” x2 > Desechar”). Yo, personalmente reconozco que hace años decía que Final Fantasy VII era el muy más mejor. Por entonces no había jugado en profundidad a Final Fantasy VI. Una vez solventé tamaño error tras comprar la bonica edición de PlayStation (en la que “casualmente” venía una demo de Final Fantasy X, COF COF COF), tuve que reconocer mi error y cambiar de opinión radicalemente.

Final Fantasy VI es un huegaso en todos sus aspectos, de pe a pa, de arriba a abajo. Para empezar, se sustentaba (¡por fin!) en una historia que se distanciaba enormemente de los ya desgastados cristales. Resumiendo “muy mucho” su argumento (pues es denso y largo, situando su punto de partida real 1000 años antes de los  acontecimientos del juego), el llamado “Imperio” quiere recurrir a la Magia para conquistar el mundo. Dicha Magia se encuentra en unos seres llamados Espers, vestigios vivientes del pasado; con tal de joder dicho plan manejaremos a un buen grupo de personajes liderados por Terra, una chavala que parece tener una cierta conexión con los Espers. Aunque el Imperio esté personificado en la figura del Emperador Gestalh en un principio, al final es Kefka, el antagonista más hijodelagranputa de todos los Final Fantasy, quien toma el mando de las operaciones. Sus actos se mueven por simple maldad y no necesita otra motivación que el ser un cabronazo para seguir adelante con sus planes. Hay que decir que no sólo del argumento principal vive Final Fantasy VI, ya que todos y cada uno de los secundarios cuenta con una buena cuota de protagonismo, dejando incluso de lado por momentos a Terra, la supuesta heroína principal.

En términos jugables, Final Fantasy VI  desecha al sistema de”jobs” del anterior título para centrarse en el aprendizaje de magias vía Espers y en las llamadas “reliquias”. Por una parte, cualquier personaje puede aprender una magia determinada si se le equipa con su Esper correspondiente,  haciendo que nuestro equipo pueda empepinarse con un poco de entrenamiento. Por otra, encontramos el sistema de reliquias, una serie de objetos que proporcionan habilidades y que pueden ser equipados como si de un arma o armadura se tratase. Al lado de todo ello contamos con las habilidades características cada personaje, las cuales hacen que podamos montar grupos bastante heterogéneos. Lo cierto es que si bien todo ello no resultaba ni la mitad de jachondo que los “jobs”, le daba su propia vidilla al asunto.

Para enmarcar todo ello en una estructura acorde con la despedida de Final fantasy de Super Nintendo, Squaresoft mejoró el apartado gráfico de manera considerable. Las magias eran más espectaculares que nunca, los pueblos contaron con un nivel de detalle más alto y los distintos mapeados se beneficiaron de las bondades del por entonces brutérrimo Modo 7 (el cual ya había sido utilizado antes, pero nunca de una manera TAN eficiente como en este Final fantasy VI) cuando usábamos algún medio de transporte. Todo ello estaba embutido en un mundo que empezaba a marcar la pauta de crear títulos en los que tenían cabida tanto la tecnología (representada aquí de manera industrialista, sobre todo en los emplazamientos enemigos) como el aspecto mágico y ficticio, cóctel que, si bien puede chocar a alguno que otro, siempre me ha gustado bastante.

Final Fantasy VI tuvo la jodidísima suerte de ser el tercer título de la  saga en llegar a Norteamérica, continuando la numeración que se impuso con Final Fantasy IV (para  Japón) y II (para Norteamérica), con lo que fue nombrado como Final Fantasy III. Afortunadamente, esta vez llegó sin censuras ni gilipolleces de por medio, por lo que cruzó el Océano Pacífico íntegro, sano y salvo. ¿Europa? Onvrepordios, no creo que haga falta hablar de ello… ¿No? XD.

Con esto y un bizcocho, terminamos esta segunda entrega dedicada a Final Fantasy, en la siguiente presentaremos a la trilogía que hizo que Squaresoft pegase el pelotazo padre, con la aparición estelar de Cloud Strife y las mamellas de Tifa. Féminas, no se me enfaden, también podemos poner imágenes de Yitán en bolas.

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Entrada publicada originalmente el día 18-03-2011 en No Más Hype.

Hablar de Final Fantasy es hablar de la serie de RPGs con más reconocimientos y pajas mentales de la puñetera historia. Dejando de lado el debate sobre si son truños u obras maestras (para mí son buenos juegos, pero los hay mejores a patadas), vamos a tratar en una serie de artículos a los 9 primeros títulos que conforman esta saga, los spin-offs que durante la producción de ellos se crearon, su mitología y parte de la parafernalia que trajeron consigo. Sin más, tras el salto empezamos con los títulos de Famicom / NES.

Los inicios: La última de las fantasías. Final Fantasy.

Nos encontramos en el año 1987, una relativamente pequeña compañía de videojuegos japonesa está al borde de la bancarrota y sólo tiene capacidad económica para sacar un último título. Squaresoft, su denominación por aquel entonces, era conocida por haber dado a luz a un título de conducción llamado Rad Racer, el cual era del corte del genial Outrun seguero. Con lo puesto y bajo la dirección de Hironobu Sakaguchi, quien contó con los maestros Yoshitaka Amano en la faceta artística y Nobuo Uematsu al sonido, se creó un cartucho para el sistema de moda de aquellos años, la Famicom de Nintendo, siendo portado para los ordenadores MSX2 dos años después.

Con el género de los JRPGs en auge gracias a la publicación por Enix de Dragon Quest en 1986, la que en teoría iba a ser la fantasía final (lo siento, tenía que decirlo ) de Squaresoft se convirtió en el juego que la pondría a la vanguardia de las desarrolladoras japonesas, dando pie a la continuidad del grupo y a la creación de nuevos títulos que exprimirían la naranja de Final Fantasy hasta no poder más.

Centrándonos en el juego en sí, Final Fantasy nos contaba la historia de un mundo que es controlado por las cuatro esferas de cristal elementales, ve cómo estas últimas van perdiendo poco a poco su fuerza, propiciando así que el mal se propagase con facilidad. Es ahí cuando cuatro jóvenes random se dedicarán a intentar remediar todos los males del mundo; ya sabéis, hablando en plata, a los japos les gusta más un héroe sin pelillos en los huevos que a un tonto un lápiz… Siendo imparciales, el argumento y la trama no eran gran cosa, sólo se nos muestra una historia típica del bien contra el mal sin demasiadas virguerías. A pesar de ello y sabiendo que el género de los JRPGs todavía estaba en pañales (no confundir con los RPGs occidentales, los cuales ya tenían sus añitos), hay que destacar su importancia posterior.

Como título de rol y basándose en Dragon Quest (el cual a su vez presentaba influencias de los Ultima), caminábamos por el mundo para mejorar nuestros atributos al acabar con los enemigos que nos encontrábamos y que eran representados en una pantalla diferente a la principal. En ella veíamos luchar a nuestro grupo de personajes al completo, poseyendo cada uno sus características prefijadas por nosotros al inicio del juego y que podían ser de varios tipos (magos “rojo”, “blanco” y “negro”, “luchador”, “ladrón” y “reparteleches”). Como podéis ver, el sistema era bastante simple, dejando diferentes adiciones para entregas posteriores de la saga.

Probablemente alguno se lanzará a mi cuello tras lo que voy a decir, pero Final Fantasy no deja de ser un juego simple y que no aportaba demasiado al género, sea a nivel jugable (lo digo por si alguien no ha pillado la cursiva del párrafo anterior), de argumento o trama. Si a ello le sumamos su jodida y desequilibrada dificultad, lo cierto es que nos encontramos con un título que por momentos se torna infumable. ¿Duele, querido nostálgico?

Con todo ello, Final Fantasy vendió 400.000 copias y consiguió insuflar aire fresco a las arcas de Squaresoft a la vez que (junto con Enix y otras) ayudó a expandir el género del JRPG en el país nipón en un principio y en Estados Unidos y Europa posteriormente con las diversas “continuaciones” de esta primera obra.

La confirmación: Final Fantasy II.

Solo un año más tarde de la aparición del primer Final Fantasy, Squaresoft se embarca en la publicación de su sucesor: Final Fantasy II. Aparecido también en Famicom, esta segunda parte nos presentó un cartucho bajo la fórmula “más de lo mismo, pero ampliado”.

Son tres y no cuatro los chavalines que esta vez tendrían que lidiar con una empresa de dimensiones gigantescas en las que, aunque se sigue manteniendo la dicotomía entre la eterna lucha  del bien y el mal en el mundo, se crea una historia más elaborada, en la que tienen cabida la invasión del reino de Phin por las hordas de Paramek, país cuyo emperador quiere reinar al planeta con malas artes y un poderoso ejército. De dicha invasión consiguen escapar Guy, Fionel y Maria, quienes pueden contar con otros personajes secundarios “no fijos” para poder luchar en sus filas.

Cabe destacar que es en esta entrega donde empiezan a aparecer bastantes de las magias e invocaciones que serían característicos de la saga, con monstrencos como Leviathan y poderosos hechizos del calibre de Última. También tuiveron su parte de protagonismo esos adorables bichejos que alcanzaron su pico más alto de protagonismo en Final Fantasy VII: los Chocobos.

Por otra parte, se introdujo el hecho de poder aprender diferentes habilidades con las que ir definiendo a cada uno de nuestros personajes para así luchar, obteniendo mejores o peores resultados en función de su uso. Como pequeño apunte, hay que reseñar que este Final Fantasy II es algo menos desesperante que el primero, lo que hace que sea un poco más llevadero y agradable a la hora de poder disfrutarlo.

Desgraciadamente, Final Fantasy II nunca salió de Japón en su edición original, hecho que sorprende un poco sabiendo que su antecesor, aunque con retraso, apareció en Estados Unidos, donde obtuvo unos resultados bastante decentes.

La última entrega en Famicom: Final Fantasy III.

Llegados a este punto, nos situamos en 1990, cuando SEGA ya tenía en el mercado su Mega Drive, la  flamante consola de 16-bits que tenía como objetivo plantarle cara a la compañía del fontanero bigotudo. Nintendo, entre tanto, se dedicó a sacar exitazos como Super Mario Bros 3 para resistir el ataque mientras daba los últimos retoques a la futura pero cercana Super Nintendo.

Final Fantasy III nos proponía una obra que puede ser definida como “algo continuista”, ya que tomaba para su argumento elementos del primer Final Fantasy, al situarnos en un escenario en el que, nuevamente, nuestros cuatro protagonistas deben salvar al mundo de una fuerza maligna que quiere dominar el mundo. Para ello, al inicio de nuestra aventura, el Cristal del Viento nos concede diferentes poderes con los que iniciar nuestro camino.

Por primera vez, y aunque no supusiese un cambio muy brusco en el sistema de combate, se diferenciaban las magias “simples” de los monstruos a los que podíamos invocar, hecho algo trivial, ya que en el fondo estos últimos no son más que magias más poderosas que el resto, pero que gastan tus puntos mágicos de la misma manera que lo haría un hechizo elemental cualquiera. A su vez, Final Fantasy III puso a nuestra disposición nuevas armas e invocaciones… E incluso se distinguían dos razas diferentes de chocobos.

Si la historia se asemeja al primer Final Fantasy, el nivel de dificultad impuesto también excede un poco “lo normal”. En la que supondría la despedida de la saga en Famicom, Squaresoft volvió a proponer un juego duro de roer. De hecho, más bien convendría decir “pesado”, difícil es Mega Man 2, no un juego en el que para pasar de zona tienes que repetir insulsas batallas con demasiada frecuencia para así levelear de manera alarmante, lo cual podría fastidiar un poco la experiencia de muchos jugadores.

Al igual que pasó con Final Fantasy II, esta tercera parte nunca salió de las fronteras del país del sol naciente, hecho que comenzaba a ser normal y que también afectó a alguna que otra entrega de las de Super Nintendo.

El no-Final Fantasy IV para Famicom.

No quisiera terminar este primer texto sin hacer una pequeña mención a este proyecto no finiquitado que sabe Dios por dónde andará. Al mismo tiempo que Squaresoft programaba el que después sería Final Fantasy IV para el cerebro de la bestia, preparaba por otro lado una cuarta entrega que cerraría el capítulo de títulos para Famicom.

Desafortunadamente el proyecto no llegó a buen puerto y de él sólo nos han quedado unas cuantas scans de baja calidad. Una lástima.

Hasta aquí llega el primer capítulo de esta serie de artículos, nos vemos la semana que viene con los títulos de Super Nintendo. Hasta entonces .

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El scan de la revista japonesa ha sido tomado de http://www.lostlevels.org .

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Entrada publicada originalmente el día 02-03-2011  en No Más Hype.

Hay juegos buenos, regularcetes, malos, penosos… Y después están los penosos a los que guardamos cariño. World Cup Italia 90 es uno de esos casos que, debido a circunstancias externas acaban marcando a toda una generación de consoleros.

World Cup Italia 90 se enmarca dentro de ese abanico de obras. Presentado como el juego oficial del mundial de fútbol celebrado en Italia en 1990, este cartucho realizado por SEGA para Mega Drive y Master System es el colmo de lo cutre-amoroso.

Con solo dos modos de juego, unos gráficos no muy acordes a la por entonces flamante 16-bits que partía la pana frente a la otrora poderosa NES, ni… Ni nada de nada. Bajo una vista cenital desde la cual los jugadores de las distintas selecciones parecían tener aspecto de jugadores de fútbol americano (solo hay que ver sus petadísimos hombros), encontramos un juego de desarrollo arcade a más no poder en el que las faltas (perdón, las entradas asesinas por la espalda) ni los fueras de juego no eran sancionados y los goles entraban a cascoporro si sabíamos dirigirlos encontrando el truquillo de turno en su versión “mayor”. La versión de Master System, aunque presentaba un estilo de juego mucho más marrullero, lo cierto es que exigía un poquito más de esfuerzo a la hora de clavar los goles.

Para alzarnos con el cetro mundial podíamos escoger a diferentes equipos nacionales, entre los cuales se encontraba la selección española de la época, mostrando un perfil medio en comparación con otros países. Desgraciadamente SEGA no se dejó la pasta a la hora de obtener las licencias, con lo que contábamos con un equipo plagado de jugadores más falsos que un directo de las Spice Girls. Si ya de por sí el ambiente no fuese desalentador, el apartado sonoro acababa por poner la guinda podrida al pastel, con sus melodías repetitivas y poco variadas.

A pesar de todo ello, World Cup Italia 90 se ganó un hueco en el corazoncito de muchos jugadores, y la razón no es otra que su inclusión en los cartuchos recopilatorios que SEGA sacaba de vez en cuando junto a títulos como Super Hang-On o Columns. Es por ello que era el primer juego de fútbol al que muchos, muchísimos niñatillos (entre los que me incluyo) le dedicamos nuestro valioso tiempo. Otra cosa es que los Sensible Soccer o ISS le dieran quinientas mil vueltas, pero este fue la primera obra en la que bastantes de nosotros marcamos nuestros primeros golitos virtuales.

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Entrada publicada originalmente el día 10-01-2011 en No Más Hype.

Acabo de salir de mi sesión casi-diaria de conversación con Roca y hoy he optado por leer algo. Desde hace algunas semanas le estoy dando caña a un jueguito de Game Boy Advance llamado KuruKuru Kururin, pero normalmente juego al Tetris de Game Boy Tocho. Sí,  también leo como ya he dicho en la primera frase, aunque el hecho de que la mierda reseca moleste a la hora de limpiarse tras una buena lectura hace que prefiera echar partidas cortas de determinados juegos.

Hoy, en mi santuario del entretenimiento y del placer, he escogido la Star-T Mag número 2 como lectura. Star-T mag es, para quien todavía no la conozca, un señor soplo de aire fresco dentro de la prensa de videojuegos española. Atrás quedaron los tiempos en los que revistas como Xtreme o Edge (cuya edición española no era para tirar cohetes por su chustera traducción,  pero bueno) nos abandonaron, dejando el panorama con un aspecto bastante desolador, en el que solo parecían tener cabida panfletos publicitarios dedicados a niños hormonados, ansiosos por comprarse el primer Assassin’s Creed al ver que su revista favorita le había cascado un 9X en su análisis patrocinado.

Star-T Mag viene a rellenar ese hueco donde tiene cabida el análisis concienciudo, enlazado a otras formas de expresión y que se acerca al ensayo, cosa que hasta hace cuatro meses solo se podía leer en los aperiódicos Mondo Pixel. Por otra parte, no solo de juegos actuales se habla en ella, puesto que tanto en los análisis de juegos retro como en los estudios centrados en diferentes personajes del sector son presentadas obras de otros tiempos, hecho que agradezco enormemente y que se resume en una frase que publicaron en el número inicial: “Conocer el pasado es  entender el presente”. No me gustaría terminar este párrafo sin realizar un comentario sobre su sección “Interiores”, en la que se trazan pequeños estudios sobre determinados aspectos de los mecanismos que conforman los videojuegos.

En el limbo (llámenle “ni fu ni fa” o “criticable con una pequeña justificación”) de este pequeño comentario situaré su precio. Esta publicación bi-mensual cuesta 5 eurazos, contando con 92 páginas en su haber. Es cara, por  qué negarlo, pero esto se ve compensado por la casi ausencia de publicidad. Únicamente las páginas 2, 89 y 91 poseen espacios publicitarios. No es nada trivial su situación, puesto que las páginas primera y última (si obviamos las portadas) son las más caras a la hora de sacar pasta a las empresas que quieran tener su espacio en la revista… Pero a su vez es algo que agradezco como lector, ya que mi lectura no se ve interrumpida nunca por elementos “ajenos” a lo que quiero leer. Tengo que matizar también que podría llegar a entender que necesitasen más patrocinadores para subsistir, pero siempre y cuando las páginas con chicha no se viesen reducidas. Resumiendo: Son 5 € por una revista de 90 páginas que casi no tiene publicidad, y encima se  encuentra bien situada.

Star-T Mag también tiene su parte negativa (¡No todo iba a ser chupapollismo, hoygan!). Sencillamente, la distribución, al menos en Sevilla y Huelva (las ciudades que frecuento) está siendo pésima. Con el número 1 tuve suerte, pero no exagero cuando digo que para encontrar el número 2 tuve que agarrar mi bici y hacerme una señora ronda de quioscos por la capital hispalense. Lo curioso es que la encontré en el último que tenía pensado visitar. Comprendo que es una publicación nueva, que cueste hacerse un hueco entre las sempiternas Hobby Consolas, Nintendo Acción y demás parafernalia, a la vez que seguramente será difícil para muchos quiosqueros empezar a aceptar a una revista que cuesta 5 €… Pero lo cierto es que (y según leo por Internet, no soy el único) estaba hasta la punta del nabo de buscarla , y creo que es un punto  importantísimo que hay que mejorar.

A pesar de ello, los pros superan ampliamente a los contras, y tanto Roca como yo recomendamos  encarecidamente que cuando salga en número 3 dentro de (supongo) unos 20 días, salgáis a comprarla. Seguramente no os arrepentiréis.

Hay una serie de juegos, que si bien no están considerados como los Must-have-GOTY-OMG-que-me-corro de sus respectivas consolas, sí que gozaron de buena salud en su juventud, dejándonos un buen sabor de boca. La saga Splatterhouse, con su marcado estilo gore supuso un soplo de aire fresco, sangre, vísceras y amor pixelado para nuestra vista a finales de los 80′s-década de los 90′s. Démosle un severo repaso a estos titulacos.

Splatterhouse (1988). Arcade / TurboGrafx-16 / FM Towns.

El primer Splatterhouse fue, allá por 1988 un beat ‘em up de desarrollo lateral bastante correcto. Si bien no era una revolución para el género, era un buen juego. Situándonos en contexto, en él debíamos salvar a nuestra pareja Jennifer, quien se encuentra en el interior de una mansión llena de mostruos de distinta índole. Para cumplir con nuestra misión, contábamos con la ayuda de una misteriosa máscara (¿Jason? Sí, Jason) que confería a nuestro avatar, Rick una fuerza extraordinaria.

Si tuviéramos que definir a este título, usaríamos palabras como “violencia” o “gore a saco”. A lo largo de nuestro camino tendremos que hostiar, patear, destrozar, descuartizar, batear, disparar a una buena variedad de engendros que iban desde humanoides sin cabeza hasta sanguijuelas asesinas XXL, y eso sin contar a los variados jefes finales. Una característica que obligaba al jugador a tener los cinco sentidos puestos en el juego era que nuestros enemigos podían aparecer por sorpresa desde el fondo de la pantalla, y no -como era típico en el género – desde los bordes, realizándonos tanto ataques traperos como unas últimas ofensivas antes de morir que podían acabar con una pérdida de vida inútil.

Dentro de nuestro arsenal de ataque encontrábamos una buena variedad de instrumentos, lo que incitaba más aún a reventar todo a nuestro paso: cuchillacos que al igual que la máscara, poseían un cierto tufillo-homenaje a Viernes 13, escopetas o el elemento que más me gustaba de todos: El Bate.

A pesar de que todos estos elementos eran bastante efectivos, era con El Bate con el que más nos regodeábamos, al poder enviar a las paredes del fondo de la pantalla a nuestros destrozados rivales. Violencia powah.

Al contrario que en títulos posteriores, este primer Splatterhouse no tenía un argumento y una trama especialmente desarrollada. No es más que una historia que presentaba la estructura de “caballero pardillo debe salvar a su princesa y encuentra un objeto que le ayuda en su empresa” adaptada para la ocasión. No obstante, hay una parte que me llama especialmente la atención: la lucha contra Jennifer, nuestra parienta.

Rick, llegado cierto punto, debe enfrentarse a un jefe final de fase, y no es otro que su pareja presentando un aspecto horrible al estar poseída por algo no muy alegre. En ese instante no nos quedará otra: debemos patearle el culo a sabiendas de las consecuencias que ello nos va a traer. En un alarde de hijoputismo, los creadores del juego, conforme la lucha iba avanzando detenían el combate para devolver a Jennifer a su forma original por unos segundos, creando en el jugador un poco de desconcierto al no saber éste si debe seguir dándole palos a la pobre muchacha o hay alguna otra solución al problema… Aunque claro, viendo lo visto, la única vía de escape era cortar por lo sano el sufrimiento de la pobre.

Calidad casera.

Si bien la versión madre de todas las que aparecieron de este primer Splatterhouse es la arcade, dos versiones domésticas como las de TurboGrafx y FM Towns tuvieron el placer de acoger a las aventuras de Rick. La primera de ellas era un buen juego y se mostraba fiel a lo presentado anteriormente, es en FM Towns donde hay más chicha, al ser un CD-ROM con todo lujo de detalles y que resultaba prácticamente calcado al arcade. Por su rareza, dicho CD se ha convertido en toda una pieza de coleccionismo que pocos se pueden permitir.

Splatterhouse: Wanpaku Graffiti (1989). Famicom.

Muchos no conocen la existencia de esta bizarra entrega de la saga Splatterhouse para Nintendo NES, pero bien merece un huequecito entre los títulos que la componen. Para empezar, resulta raro ver en las consolas de Nintendo juegos especialmente salvajes a nivel visual, y si existen, varios de ellos han sido capados para evitar que se mostrasen en todo su esplendor. Un ejemplo de ello pueden ser el lejano Mortal Kombat de Super Nintendo, cartucho que no gozaba de las sangrientas bondades que sí aparecían en su homónima versión de Mega Drive gracias a un truco.

Wanpaku Graffiti rehúsa el ser capado de esa manera y se reinventa a sí mismo con personajes super-deformed, que dan al conjunto un aspecto mucho más desenfadado. Aparte, los enemigos son ridiculizados (en el buen sentido), obteniendo un toque mucho menos ofensivo. Si en el juego original podíamos ver una referencia a una película como Poltergeist en  una habitación donde sus elementos te atacan, en esta versión de NES Rick deber enfrentarse a calabazas de Halloween, al primo de Michael Jackson en Thriller o a una horda de pollos asesinos recién salidos del horno.

Entrando en el terreno jugable, este Splatterhouse presenta un desarrollo mucho más rápido que su predecesor, lo que hace que el control de Rick sea algo más ágil. Otro punto a destacar y que lo diferenciaba es que teníamos nivel, el cual iba subiendo conforme a más enemigos fuésemos destrozando, transformándose todo ello en puntos de vida para nuestro personaje.

Resumiendo, esta parodia del primer Splatterhouse, si bien se desmarca un poco de lo visto en los demás juegos, tiene su propia personalidad y no deja de ser un buen juego por ello.

Splatterhouse 2 (1992). SEGA Mega Drive.

En vez de publicar una segunda parte en recreativas, Namco prefirió seguir el camino de Rick únicamente en Mega Drive, creando una secuela sin novedades que le hiciesen destacar.  Sobra decir que la 16-bits de SEGA no estaba a la altura de una placa recreativa o incluso de FM Towns, lo que trajo consigo un poco pérdida de calidad en el producto final.

Situándonos en contexto, una vez acaecidos los acontecimientos del primer Splatterhouse, Rick consigue escapar de la casa en la que se encontraba, pero desde entonces no ha hecho más que sufrir pesadillas en las que Jennifer aparece pidiéndole auxilio. Ante ello, nuestro enmascarado personaje decide retornar a la mansión para salvarla.

Repetición de la jugada.

Lo que a mi parecer le hace perder valor es su descarado reciclaje de lo visto anteriormente. En vez de sacar a la venta una versión del arcade original, Namco decidió realizar una continuación sosa en la que se retomaban demasiados elementos o se  metamorfoseaban otros (ver por ejemplo la sala de las cápsulas de las cuales van saliendo bichacos, que no es más que una burda copia de la genial sala de los espejos de Splatterhouse).

Que quede claro que esta segunda parte no es que sea desastrosa, pero sí que me resulta un poco conformista y sin ambición, todo lo contrario de lo que podíamos encontrar anterior… y posteriormente.

Splatterhouse 3 (1993). SEGA Mega Drive.

Afortunadamente y para quitarnos el mal sabor de boca que nos dejó Splatterhouse 2, la que ha sido la tercera y última historia de las andanzas de Rick  hasta hace poco tiempo mejora todo lo visto anteriormente. En lugar de presentarse nuevamente como un juego con scroll lateral, Splatterhouse 3 se transforma en una especie de Streets of Rage debidamente decorado para la ocasión. Esta vez no sólo tenemos que salvar a nuestra parienta, sino que también tenemos debemos hacer lo propio con nuestro hijo David, quien tiene poderes psíquicos que van a ser utilizados en un ritual no muy alegre, por lo que su rapto no es precisamente un hecho trivial.

Como cambio especialemente notorio y que modifica por completo el esquema del juego, ahora, si queremos finalizar las distintas fases, debemos recorrer las y habitaciones de la mansión. Para guiarnos por ellas, una vez que matemos a todos los enemigos de una estancia determinada, tendremos a nuestra disposición un mapa bastante apañado con el que encontrar la ruta más corta.

A su vez, no solo de destrozar enemigos va la cosa, ya que complementándose con el factor “tiempo”, tenemos a un nuevo y jodido enemigo al que combatir que es más malo que el agua en Sonic: El tiempo, el cual está limitado a la hora de finalizar los distintos niveles, ya que si no cumplimos con nuestro deber dándonos prisa, aunque no perdamos vidas, nuestra Peach particular y su hijito se van -y nunca mejor dicho- al infierno. Si se da ese caso, no podremos acabar el juego en su final bueno, y es que que hay que señalar que podemos salvar a los dos, a uno, o a ninguno y dependiendo de ello, obtendremos finales distintos.

Violencia, parte 3.

Algo que se agradece en el tema gore-festivo de esta tercera entrega es la degradación de enemigos conforme les vamos dando guantazos, ya que podemos ver cómo empiezan a sangrar progresivamente. Por otro lado, e imitando a otros beat ‘em up de la época al contrario que con la mayoría de enemigos de los otros Splatterhouse, ya desde el principio, a éstos tenemos que darles varias tandas de golpes antes de acabar con ellos del todo. El único punto que no me gusta es que se pierde el poder estampar monstruos contra la pared. Es una tontería personal, pero me gustaba darles fuerte con el palo para dejarlos bien esparciditos contra los muros.

Por último y como nueva característica, si llenamos una barra de poder con unas esferas que encontramos por el camino, podemos activar un modo Berserker en el que nuestro Rick puede repartir mamporros bastante más fuertes. Es altamente recomendable guardarse un poquito para los jefes y es completamente necesario en el combate final.

Si obviamos algunas excepciones, no es que sea el menda una persona que se fije demasiado en los argumentos y tramas que le ponen por delante en los distintos títulos a los que juega, pero la verdad es que agradeció mucho -teniendo en cuenta las posibilidades de Mega Drive- que los señores de Namco tuviesen en cuenta este aspecto. Empezando por la intro y conforme vamos avanzando en el juego, van apareciendo una serie de imágenes estáticas que nos van presentando los acontecimientos de la historia del juego. A veces, incluso en medio de una fase se nos sorprende con una instantánea en la que podemos ver a nuestros familiares sufriendo las consecuencias de su rapto, incitándonos así a llegar a tiempo para así poder salvarlos. Con ello, Splatterhouse 3 te pone en tensión y consigue que pienses “hostiahostiahostia que no llego” mientras te dedicas a patear culos podridos de monstruos infernales lo más rápido posible.

Afortunadamente, Splatterhouse 3 supuso un soplo de aire fresco bastante grande de cara a sus predecesores, y lejos de conformarse con repetir esquemas hasta la saciedad, da un giro lo suficientemente grande como para ganar en carisma y diversión, lo que le convierte para mí en la mejor parte de todas, aparte de suponer un final genial para la saga (obviemos ese posavasos que han sacado hace poco para las consolas de esta generación…).

Anexo: La Mansión y La Máscara, evolución.

Hay dos elementos en Splatterhouse que se diferencian del resto de sobremanera. Sí, tenemos sangre, violencia, visceras repartidas por todos lados, pero para mí, tanto La Mansión como La Máscara merecen unos renglones aparte en este texto.

Otros juegos anteriores ya habían explotado la idea en la que se basan multitud de cuentos tradicionales, la cual nos lleva a rescatar una princesa/quien sea al castillo de turno (sin ir más lejos, podemos encontrar a Super Mario Bros o Castlevania II: Belmont’s Revenge como ejemplos de ello). Adaptando el decorado a una historia con multitud de referencias cinematográficas (Poltergeist, Viernes 13 o incluso El Exorcista a modo de parodia en Wanpaku Graffiti), los Splatterhouse se han servido continuamente de La Mansión como lugar idoneo en el que vivir nuestras tortuosas aventuras.

Si bien en las primeras su presencia imponía por sus sangrientos pasillos y nos mantenían alerta ante posibles ataques traicioneros de enemigos salidos de cualquier parte, o directamente en salas como la de los espejos, en la que Rick debe enfrentarse a multitud de alter-egos suyos, es en Splatterhouse 3 donde La Mansión adquiere un protagonismo más marcado. Es silenciosa y no es un enemigo que vaya a vaciar tu barra de energía, pero sus laberínticas formas desquician al jugador, quien debe servirse de un mapa para recorrarla y así salvar a su familia a tiempo.

De su mano va agarradita La Máscara que posee a Rick, quien únicamente es un inocente mandado que tiene por objetivo salvar a sus congéneres, pero que no sabe hasta el final del tercer acto que está contribuyendo a que La Máscara consiga obtener una forma corpórea con la cual poder alcanzar su objetivo de dominar el mundo.

A lo largo de toda la serie, Rick es torturado con imágenes, principalmente de su mujer, pero también de su hijo, pidiendo ayuda o en situaciones puteantes y que hacen mella en el protagonista. Un ejemplo de ello es el que hemos reseñado en Splatterhouse 3, donde se nos muestran imágenes de nuestros familiares en situaciones de peligro y que requieren nuestra ayuda inmediata.

Al final, (¡por fin!) podemos plantarle cara al ente que se ha dedicado a fastidiarnos durante varios juegos, en un combate final en el que (al menos las primeras veces) nos costará acabar mucha sangre, sudor e insultos varios. Es ahí cuando, a modo de catarsis, podemos vaciarnos de toda la sombra que ha ido planeando sobre nosotros durante nuestros periplos en La Mansión para así poder ver la primera imagen alegre de todos los Splatterhouse, que no es otra que nuestra familia, vivita y coleando.

Siempre y cuando hayáis sido buenos a los mandos, claro está .

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Texto publicado el día 1-1-2011 en No Más Hype.

Que os sea leve el año que entra ;P.

Gamboi.

PD: No tiene nada que ver con el nuevo año ni hostias, pero no he podido resistirme a poner este fragmento de Legend of Cerda DX. Para el que no lo sepa, es una rom del Zelda: Link’s Awakening… Un pelín modificada.

Dejamos nuestro recorrido por la producción de Treasure con Ikaruga, uno de los mejores y más jodidamente chungos shoot ‘em up de la historia del medio, el cual sirvió como dulce despedida de Dreamcast, la última consola de SEGA.

En este segundo y último texto abordaremos tiempos más recientes, en los que tan ilustre empresa ha perdido algo de su frescura original, pero dando de vez en cuando destellos de calidad, sobre los cuales nos centraremos.Cuando hablo de “pérdida de frescura”, hace falta hacer una pausa para explicar qué quiero decir con ello. Esta compañía japonesa mantuvo durante años la norma no escrita de no realizar secuelas de sus franquicias. Buscaban ante todo la originalidad en cada título que sacaban y lo más parecido a una continuación que se vio en su seno fue Ikaruga (con nombre en clave de “Project RS2” en clara alusión a Radiant Silvergun). Si bien para su creación tomaron algunos elementos como los chains, el juego tuvo su marcada y propia identidad como para distinguirlo claramente del que pudo haber sido su predecesor.

A partir de aquí, y buscando aprovechar el tirón de títulos anteriores, comenzaron a crear “segundas partes”. Que quede claro que el hecho de publicar secuelas a un servidor ni le va ni le viene – salvo en casos sangrantes como el de Sonic - , sino que únicamente estoy marcando las pautas por las que se desarrollaba el día a día de esta firma.

El cambio en su forma de trabajar se produce inmediatamente después de la muerte de la 128-bits seguera, momento en el que Treasure se centra principalmente en las dos consolas que Nintendo mantenía en el mercado en 2002: Game Cube y Game Boy Advance, siendo esta última la consola más agraciada de las dos. Cabe reseñar que PlayStation 2, Wii y Nintendo DS también han recibido parte del pastel.

Game Boy Advance: Luces y sombras.

Para empezar, vamos a centrarnos en las obras que tuvieron cabida en la genial portátil de Nintendo. Los juegos más destacados que realizaron para ella fueron beat ‘em ups de diferente calibre y procedencia, por un lado teníamos las segundas partes de Guardian Heroes y Gunstar Heroes y por otra al buen Astro Boy: Omega Factor.

Con los dos primeros tenemos una de cal y otra de arena. Advance Guardian Heroes es un auténtico destroce de lo que supuso la primera entrega de la saga. Poniéndonos sobre la mesa una historia desarrollada tropecientos años después de los hechos ocurridos en su antecesor, Advance Guardian Heroes no tiene ni la mitad de la frescura que gozó en su predecesor . Los controles no brillan en demasía, el aspecto gráfico deja bastante que desear al ser simple de cojones y peca de ser un poco corto.

Afortunadamente, en el lado opuesto de este pequeño despropósito encontramos a Gunstar Future Heroes y Astro Boy: Omega Factor.

El primero de ellos es una especie de pseudo-remake del glorioso cartucho para Mega Drive, y hay que reconocer que es un refrito bien realizado. Lejos de presentar algo completamente nuevo, Treasure nos trajo un nuevo Gunstar en el que mezclaba elementos del original (tanto fases como enemigos) con novedades que desprendían hamor por los cuatro costados (entre las que se encuentra un nivel que es todo un homenaje a Flicky o fases “aéreas” que hacían gala de un genial uso del Modo 7).

En un movimiento que me pareció en su momento ciertamente arriesgado, el sistema de “combinación de armas” de Gunstar Heroes -uno de sus puntos fuertes- se pierde en favor de otro más sencillo e intuitivo por el cual tenemos 3 tipos de disparo fijos entre los que elegir. La verdad es que considero que la gracia del primero residía en escoger qué tipo de ataque nos convenía según el momento/jefe a batir, pero el nuevo modelo, mucho más clásico y poco rebuscado, no es malo y se puede jugar perfectamente con él.

Por su parte, Astro Boy: Omega Factor es uno de los títulos por los que merece la pena comprarse una Game Boy Advance, así, a pelo lo digo.

Encuadrado en el universo creado por el gran Osamu Tezuka, esta creación revienta las posibilidades de la portátil nintendera, mostrando enormes enemigos que por lo general se mueven bastante bien por la pantalla -si acaso, de vez en cuando sufriremos algunas ralentizaciones, pero no son muy frecuentes- y presentando una mecánica dinámica y ágil en la que tendremos que batirnos el cobre para salir airosos en una historia de corte moralista sobre el bien y el mal enmarcada en la disputa entre humanos y robots que tiene lugar en el mundo de Astro Boy.

Entrando en otros terrenos y tal y como gustaba en Treasure, no sólo nos limitamos a pegar tortazos a nuestros rivales, sino que también gozamos de la posibilidad de jugar en fases de estilo shoot ‘em up, hecho que agrada y hace más llevadero nuestro periplo.

Desgraciadamente, no todo podía ser perfecto, y es que como estratagema para alargar su duración, una vez te lo pasas por primera vez, si queremos llegar al final de la historia, tendremos que pasarnos de nuevo los ocho niveles de los que consta el cartucho. Si bien es cierto que a algunos os puede dar un poco más de juego este punto, la verdad es que a mí me repateó los cojones seriamente el tener que rehacer todo el trabajo para ver el verdadero final.

A pesar de este punto negro, Astro Boy: Omega Factor es interesante de cojones y merece la pena dejarse unos cuantos eurillos por él.

Nintendo DS: Bleach y Bangai-O dan el callo.

La verdad es que la primera vez que el aquí escribiente jugó a Bleach: The Blade of Fate para Nintendo DS no acabó muy contento. Quizás fuese porque nunca me gustaron los beat ‘em up en los que puedes reventar a tu enemigo con combos interminables lo que me echó para atrás, pero una vez empecé a rejugarlo, mi percepción sobre él fue cambiando para bien de manera progresiva.

Presentando a unos personajazos grandes -que no por ello pixelados- y con todas las cualidades intactas que poseían en la serie original, encontramos un cartucho en el que tienen cabida hasta cuatro jugadores en pantalla. Hay que reseñar que la chicha se encuentra en el modo historia: es LARGO, entretenido y con multitud de batallas que nos mantendrán entretenidos durante un buen tiempo.

Por poner algún pero, si hay algo que no me gusta, es la pesadez japonesa a la hora de desarrollar el argumento de turno, el cual está realizado con una serie de diálogos que pueden amargar a más de uno si se quiere tragar la historia al completo.

Por parte de su continuación, siguiendo la moda de otros juegos de lucha como son la mayoría de los chorrocientos Dragon Ball que vienen desarrollándose desde los tiempos de PlayStation 2, Bleach: Dark Souls es una prolongación conformista de The Blade of Fate y que repite sus esquemas. Es un buen cartucho e incorpora algunas novedades, pero creo que su compra no está justificada si se posee la primera parte.

Llegados a este punto, nos encontramos con la continuación de uno de los mejores shooters aparecidos en Dreamcast. Bangai-O Spirits es un juegazo inversamente proporcional a las dimensiones del pequeño cartucho de Nintendo DS. Siguiendo la estela de su antecesor, Spirits es un híbrido entre shooter y puzzle en el que tenemos que superar más de 150 fases de manera aleatoria si queremos terminarlo y en el que no viviremos sólo de soltar cañonazos a diestro y siniestro, sino que tendremos que pensar antes de actuar.

Otro punto que hay que tener en cuenta es que no es precisamente fácil, lo que nos lleva a practicar y practicar en muchos de los niveles. Así mismo y como curiosidad, también podemos ver una característica del género presente en los 80′ y 90′ como son las ralentizaciones que tanto agradaban por aquello de darnos un respiro de vez en cuando: La razón de su existencia es la magnitud y acumulación de  algunos gráficos (sean enemigos o proyectiles), y lejos de ser la molestia que supondría a los jarcorgamers de hoy en día, como ya he dejado entrever, nos ayudan un poco en nuestra tarea a la hora de acabar con algunos objetivos.

Dos casos aislados: Gradius V y Sin and Punishment: Star Successor.

Si bien han salido a la venta en la última década más creaciones de las que podríamos hablar como son Wario World o Bleach: Versus Crusade, lo cierto es que no dieron el nivel al que nos tenían acostumbrados en esta casa. Por otro lado, merecen ser comentadas dos obras como Gradius V y la continuación de Sin and Punishment.

Konami, la otrora madre de Treasure y creadora de la genial saga Gradius, viendo el trabajo que su discípulo había realizado en Radiant Silvergun y compañía, tuvo la genial idea de encargarle la quinta entrega del que fue hace tiempo uno de sus buques insignia.

Sobra decir que Treasure no defraudó. Por todos es sabido que los Gradius son difíciles debido a la amplia hit box que poseían las naves, así como por ser de los shoot ‘em up en los que, una vez perdida una vida debíamos retroceder unos cuantos metros en la fase en la que nos encontrásemos para después rehacer tu camino.

Sin modificar la esencia de sus predecesores, en esta quinta parte se acometieron una serie de cambios a mejor que se notan en el campo de la jugabilidad: nuestra hit box se reduce considerablemente, por lo que el alcanzarnos se vuelve algo más difícil; por otra parte, el sistema de mejoras de nuestra nave cambia un poco, pues los “módulos satélites” que podíamos añadir en los juegos anteriores pueden ser controlados de distintas maneras según se adapten a nuestra forma de jugar.

A pesar de estas modificaciones, este DVD no pierde ni un ápice del carisma que poseían los anteriores Gradius, y es sin duda uno de los mejores matamarcianos del catálogo de PlayStation 2.

En último lugar, nos encontramos con Sin and Punishment: Star Successor. La segunda parte del juegazo aparecido para Nintendo 64 bastantes años atrás justifica por sí solo la compra de una Wii (bueno, al menos si viene acompañado de los Marios ;P). Si Successor of the Earth ya pintaba a las mil maravillas como shooter, Star Successor, al añadir la principal característica de la consola de Nintendo a los controles – el Wiimote, vamos – no hace sino redondear la faena.

Uno de los puntos que fueron criticados del primer Sin and Punishment es sin duda su duración, que pecaba de ser demasiado corta (si bien requería de bastante práctica para terminarlo, no por ello dejaba de ser breve una vez se dominaba el cotarro), y en esta secuela sus creadores tomaron nota del asunto, alargando un poquito el tiempo de juego. A su vez, tiene una jugabilidad frenética y que requiere que tengamos los cinco sentidos concentrados al máximo (olfato incluído), o de lo contrario – si eres de esos que buscan partidas lo más perfectas posibles – tu puntuación se irá al garete.

Sin más, aquí acaba esta mini-serie sobre esta genial compañía japonesa. Tuvieron tiempos mejores, y no siempre iban a sacar juegacos AAA+ -pocos lo hacen-, pero hay que reconocerles que hasta el momento han realizado un Señor Trabajo Videojueguil de la Hostia.

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Leer la primera parte de esta retrospectiva.

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Este artículo fue publicado originalmente en No Más Hype el día 12 de Diciembre de 2010.

El realismo de los juegos de tenis en la current-gen avanza a pasos agigantados de una manera asom…BLA BLA BLA BLA BLA. El juego de tenis más realista de toda la historia tiene nombre desde hace años, se llama Top Ranking Tennis, es la leche y salió para… Game Boy. Ustedes dirán tras el salto.

Vale, he exagerado un poco, pero en el fondo y en el exterior, hay que reconocer que Top Ranking Tennis merece sus minutos de gloria dentro de las obras aparecidas que hacen referencia al deporte de la raqueta, y sobre todo teniendo en cuenta que estamos hablando de un cartucho creado para una consola monocroma de 8 bits.

Top Ranking Tennis nos propone un título en el que nuestro objetivo no es otro que el de llegar al número 1 del mundo. Para ello, tenemos que superar a varios rivales de manera progresiva hasta alcanzar la cima. Si ganamos partidos escalaremos posiciones poco a poco, pero si perdemos… ¡Ay amigo paquete! Si la cagamos, al igual que en la vida real bajaremos como un jodido kamikaze. Para mejorar nuestro juego contamos con un  modo entrenamiento en el que practicar con los rivales ya batidos (nunca contra los que todavía no hemos derrotado, que conste) y en el que podemos pulir nuestro juego.

Si en Tennis (quizás el cartucho más conocido para Game Boy sobre este deporte y que a diferencia del juego que nos ocupa poseía una estética mucho más infantiloide) únicamente podíamos jugar en 4 niveles de dificultad en los que ésta subía de una manera ciertamente exagerada en los modos difíciles, Top Ranking Tennis ofrece un modelo en el que predomina una dificultad presentada de manera creciente y equilibrada, en la que los primeros rivales son bastante asequibles, pero para ganar a los final bosses de la lista tendremos que sudar sangre, tinta y todo líquido que se precie.

Al igual que en la vida real, cada jugador al que nos enfrentamos posee un estilo característico (mientras que unos gozan de unos saques brudicalmente potentes, otros destacan por su precisión al mandarlas a las esquinas, etc.), por lo que tendremos que adaptarnos a sus respectivas formas de jugar y buscar sus puntos débiles para batirlos con nuestro repertorio de golpes. Dentro del mismo deberemos utilizar incluso los botones de Select y Start si queremos explotarlo al máximo, para así darle a la bola de diferentes formas con las que crear nuestro estilo de juego de una manera sencilla e intuitiva.

Si bien es cierto que os estoy pintando esta obra bastante bien, todavía no hemos llegado a lo que más acaba sorprendiendo de Top Ranking Tennis: La física de la bola. Lejos de la propuesta completamente desenfadada y arcade del buen Tennis, esta creación de Nintendo busca (dentro de sus posibilidades) el realismo en cada movimiento de la pelota por las diferentes superficies sobre las que podemos jugar, lo que añadía un aliciente genial para los puristas que buscasen un estilo más cercano a la simulación con lo que jugar en sus portátiles de bolsillo allá por los años 90.

Por último, cabe reseñar que con un cable link, un colega con Game Boy y otro juego, podíamos echarnos unos piques a dobles bastante buenos, lo que hacía subir enteros a un producto ya de por sí genial y absolutamente recomendable.

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Artículo escrito originalmente el día 1 de Diciembre de 2010 en No Más Hype.